Descubre cómo el capitalismo de libre mercado, desde la visión austriaca de
Mises, genera la industria de los videojuegos mediante precios,
emprendimiento y competencia voluntaria.
El desarrollo de la industria de los videojuegos ofrece una de las
demostraciones más claras de cómo el capitalismo de libre mercado canaliza el
ingenio humano hacia la creación de valor. Lejos de surgir de planes centrales
o de subvenciones masivas, los títulos que hoy entretienen a cientos de
millones de personas nacieron de un proceso descentralizado en el que
emprendedores arriesgaron capital, interpretaron preferencias cambiantes de
los consumidores y coordinaron recursos dispersos bajo la disciplina de las
ganancias y las pérdidas.
Desde la perspectiva de la escuela austriaca, y en particular de
Ludwig von Mises, este fenómeno ilustra la superioridad del cálculo
económico privado y de la soberanía del consumidor sobre cualquier intento de
dirigir la producción desde arriba.
El cálculo económico y la señal de los precios
Mises enseñó que el sistema de precios, formado por actos voluntarios de
compraventa, transmite información que ningún planificador puede reunir. En la
industria del videojuego esa información llega en forma de
ventas, reseñas, horas de juego y disposición a pagar por contenido
adicional. Cuando un estudio observa que los jugadores abandonan un título de mundo
abierto a las pocas horas, reasigna talento y presupuesto hacia mecánicas más
atractivas.
Cuando otro detecta demanda insatisfecha de narrativas profundas o de
multijugador competitivo, destina recursos a satisfacerla. El mercado penaliza
con rapidez los errores de cálculo y recompensa los aciertos, permitiendo que
el capital fluya hacia quienes mejor anticipan los deseos de los jugadores.
Sin esa señal continua, la asignación de programadores, artistas y diseñadores
se volvería ciega.
Emprendimiento y descubrimiento de oportunidades
La figura del emprendedor ocupa el centro del análisis austriaco. En los
videojuegos esa figura aparece tanto en los fundadores de estudios
independientes como en los directivos de grandes editoras. Un joven
programador que invierte sus ahorros y su tiempo libre en prototipar una
mecánica innovadora está realizando el mismo acto de juicio empresarial:
proyecta un estado futuro de preferencias y organiza medios presentes para
alcanzarlo. Si acierta, obtiene beneficios que le permiten expandir su visión;
si se equivoca, pierde recursos propios y aprende.
Este proceso de prueba y error, repetido miles de veces a lo largo de décadas,
ha producido desde los sencillos arcades de los años setenta hasta las
experiencias inmersivas actuales. Ningún comité de expertos habría podido anticipar la demanda de sandbox
creativos, battle royales o historias interactivas con el mismo grado de
precisión que el mercado reveló a través de las elecciones diarias de los
consumidores.
Competencia y mejora continua
La rivalidad entre empresas obliga a cada participante a ofrecer mejores
productos a precios que el público acepte. Cuando un estudio lanza un juego
con fallos técnicos o con un modelo de monetización abusivo, los jugadores
migran hacia alternativas. Esa posibilidad de salida genera presión permanente
por calidad y por respeto al tiempo del usuario. El resultado es una mejora
acumulativa: gráficos más realistas, controles más intuitivos, mundos más
densos y comunidades más activas. Todo ello ocurre sin necesidad de que una
autoridad imponga estándares técnicos o estéticos. La coordinación surge
espontáneamente a partir de innumerables decisiones individuales guiadas por
el interés propio y por la búsqueda de beneficio.
Capital, tiempo y preferencias intertemporales
Producir un videojuego de calidad requiere capital y tiempo. Los
emprendedores deben prever no solo lo que los jugadores desean hoy, sino lo
que valorarán dentro de tres o cinco años, cuando el producto finalmente
llegue al mercado. Esa proyección intertemporal, posible únicamente cuando
existe propiedad privada y libertad para acumular y destinar recursos, explica
por qué la industria ha podido financiar proyectos de largo aliento. El ahorro
voluntario de inversores y el reinversión de beneficios permiten construir
herramientas, contratar talento especializado y sostener ciclos de desarrollo
prolongados. Sin la posibilidad de obtener un retorno sobre ese capital, la
producción de experiencias complejas se habría limitado a títulos modestos y
de corto plazo.
El capitalismo de libre mercado no inventó el deseo de jugar, pero sí creó las
condiciones institucionales para que ese deseo se traduzca en una oferta
abundante, diversa y en constante renovación. La industria de los videojuegos
demuestra, una vez más, que cuando los individuos pueden intercambiar
libremente, calcular con precios reales y asumir las consecuencias de sus
decisiones, el resultado es una riqueza cultural y tecnológica que ningún
diseño consciente habría logrado igualar.
El creador de Super Smash Bros. advierte lo que sucedería en la industria
de los videojuegos si se pierde la creatividad. Descúbrelo.
Cuando Masahiro Sakurai habla, la industria del videojuego suele
prestar atención. El creador de Kirby y director de
Super Smash Bros. no suele lanzar frases vacías ni buscar titulares
fáciles. Sabe que la industria cambia a ritmo acelerado que puede traer
consecuencias en el largo plazo.
En los Japan Game Awards 2026, Sakurai decidió poner fin al Game Designers
Award, el premio que él mismo impulsó desde 2010 para reconocer la creatividad
y la innovación, y aprovechó el momento para dejar una advertencia que resuena
con fuerza: "La innovación no siempre va ligada a la rentabilidad [...]
Siempre resulta difícil que se reconozca este tipo de innovación y
creatividad, pero si la industria pierde ambas cosas, creo que acabará
muriendo lentamente.
Siempre necesitamos nuevos descubrimientos e innovaciones para mantener la
industria fresca y viva".
El premio que se apaga y la verdad incómoda
Durante dieciséis años Sakurai presidió ese galardón, seleccionaba nominados y
defendía títulos que aportaban algo distinto. El último ganador fue
Word Game, del estudio taiwanés Team9. Al anunciar el cierre, explicó
con claridad que no encontró a nadie dispuesto a asumir el mismo compromiso.
No se trataba de un gesto dramático, sino de una decisión práctica después de
años de intentar encontrar un relevo que no llegó.
Lo más interesante llegó después. Sakurai reconoció algo que muchos sospechan
pero pocos dicen en voz alta:
la originalidad no influye demasiado en las ventas. Ocupa un lugar
bastante bajo en la lista de prioridades. Usó una comparación cotidiana y
certera. En las tiendas de conveniencia casi nadie se lanza a probar cada
bebida nueva que aparece en el estante. La mayoría prefiere el sabor conocido,
el que ya ha cumplido expectativas y no decepciona. Con los videojuegos ocurre
algo parecido. Los jugadores suelen elegir lo familiar, las mecánicas que ya
dominan, las historias que les garantizan cierta seguridad emocional y de
tiempo invertido.
Por qué esa preferencia puede convertirse en trampa
El problema aparece cuando esa preferencia se convierte en la única brújula de
toda una industria. Sakurai recordó que
el sector existe hoy gracias a quienes en su momento se atrevieron a
inventar formas nuevas de entretenimiento. Sin esas apuestas tempranas no habría géneros, no habría controladores con
vibración, no habría mundos abiertos ni combates que mezclan personajes de
universos distintos. La costumbre de apostar siempre por lo seguro genera
productos pulidos, predecibles y comercialmente viables a corto plazo, pero
empobrece el terreno donde nacen las ideas que luego todos copian.
Es fácil observar el patrón en el mercado actual. Secuelas interminables,
remakes de títulos que ya funcionaron, fórmulas que se repiten con gráficos
mejores y sistemas de monetización más refinados. El riesgo creativo se reduce
porque los números de ventas premian la familiaridad. Sakurai no niega esa
realidad. Al contrario, la nombra con honestidad. Su punto es otro: si la
originalidad deja de tener espacio, la industria se vuelve un mecanismo que se
alimenta de sí mismo hasta quedarse sin combustible.
Una llamada a seguir buscando lo distinto
El cierre del premio no significa que la creatividad haya desaparecido.
Significa que ya no habrá un espacio institucional tan visible para celebrarla
de la misma forma. Sakurai cerró su intervención con un deseo sencillo y
directo: que la gente siga prestando atención a la novedad, a la originalidad
y a las cualidades únicas que solo una obra concreta puede ofrecer.
La advertencia de Sakurai no es un lamento nostálgico. Es un diagnóstico frío
y preciso. La industria puede seguir vendiendo durante años apostando por lo
conocido. Puede generar beneficios, contratos y titulares. Pero si deja de
inventar, si deja de arriesgarse a crear sabores nuevos, terminará caminando
hacia una muerte lenta, casi silenciosa, mientras todos siguen comprando la
misma bebida de siempre.
Actualmente ya se puede hacer jailbreak en una PS4 con GoldHEN en firmware
13.52 con un método bastante simple. Descúbrelo.
Esta guía se basa en el exploit WebKit público disponible desde septiembre de
2026 para firmwares 13.02, 13.04, 13.50 y 13.52. En 13.52 se puede
cargar GoldHEN (recomendado, más completo).
El jailbreak no es permanente: se pierde al apagar o reiniciar completamente
la consola (puedes usar Rest Mode para mantenerlo).
Advertencias importantes:
No actualices a firmwares superiores (como 14.00) si quieres mantener el
jailbreak.
No inicies sesión en PSN con la consola liberada (riesgo alto de ban).
Desactiva siempre las actualizaciones automáticas.
El proceso puede fallar varias veces (“Not enough memory”, pantallas
negras o reinicios). Es normal en esta etapa; reintenta.
Usa solo con fines de homebrew y copias de seguridad legítimas. La
piratería es ilegal.
Requisitos
PS4 en firmware exacto 13.52.
Conexión a internet (solo para cachear el host la primera vez).
Navegador de internet de la PS4.
Actualizaciones automáticas desactivadas.
Paso 1: Verificar el firmware
Ve a Ajustes → Sistema → Información del sistema.
Confirma que pone 13.52. Si tienes una versión
inferior (13.02/13.04/13.50) también funciona, pero en esas aún puede
cargar solo HEN estándar (GoldHEN completo está confirmado principalmente
para 13.52).
Paso 2: Desactivar actualizaciones automáticas
Ve a Ajustes → Sistema → Descargas automáticas.
Desmarca todas las opciones relacionadas con actualizaciones del sistema.
Paso 3: Configurar DNS para bloquear actualizaciones de Sony
(recomendado)
Ve a
Ajustes → Red → Configurar conexión a Internet → Personalizado.
Configura así:
Ajustes de dirección IP: Automático
Nombre de host DHCP: No especificar
Ajustes de DNS: Manual
DNS primario:
62.210.38.117
(o también se usa
45.56.67.85)
DNS secundario: déjalo en blanco
Ajustes de MTU: Automático
Servidor proxy: No usar
Prueba la conexión. El acceso a la tienda o actualizaciones de Sony
debería fallar (eso es bueno).
Paso 4: Abrir el host del jailbreak
Abre el Navegador de Internet de la PS4.
Escribe la dirección: raw13g.github.io
La página soporta firmwares desde 6.72 hasta 13.52 y ofrece opciones de
HEN/GoldHEN.
Paso 5: Cachear el host (solo la primera vez)
Deja que la página termine de cargar y cachearse (espera hasta que llegue
al
100%).
Una vez cacheada, podrás usarla offline la mayoría de las veces.
Paso 6: Ejecutar el jailbreak y cargar GoldHEN
En la página, selecciona la opción de GoldHEN (o First
Run / Press X según aparezca).
Presiona X para iniciar.
Espera. Puede aparecer el mensaje “Not enough free system memory” → pulsa
OK y vuelve a intentar.
Si pide reiniciar o se congela: apaga la consola completamente (mantén el
botón de encendido) y reintenta.
Cuando funcione verás la notificación de
GoldHEN loaded (o el splash de GoldHEN).
¡Listo! Tu PS4 está liberada con GoldHEN activo. Tendrás Debug Settings,
instalador de paquetes (PKG), plugins, etc.
Después del reinicio
Cada vez que apagues o reinicies completamente debes volver a ejecutar el
host.
Activa Rest Mode (modo reposo) para mantener el jailbreak
activo entre sesiones.
En GoldHEN puedes configurar opciones como soporte de Rest Mode, bloqueo
de actualizaciones, etc.
Consejos adicionales
Limpia cookies, historial y datos del sitio del navegador si da problemas
de carga.
Si quieres actualizar de una versión 13.xx inferior a 13.52 para GoldHEN
completo, descarga el PUP oficial de 13.52, colócalo en USB como
PS4/UPDATE/PS4UPDATE.PUP
y actualiza offline (desactiva antes cualquier bloqueo de actualizaciones
de HEN).
Otros hosts alternativos que se mencionan: ps4.memz.dev,
standvideo.github.io, etc. (raw13g.github.io es el más citado
actualmente).
Si algo no funciona (errores específicos, pantalla negra persistente, etc.),
reinicia la consola, limpia el navegador y reintenta varias veces.
La estabilidad aún es variable en esta versión reciente del exploit.
Asha Sharma impulsa una reestructuración profunda en Xbox con despidos,
traspaso de Halo a Activision y cambios en sagas clave. Descubre de qué
trata.
Cuando Asha Sharma asumió el mando de Xbox a comienzos de 2026,
pocos imaginaban que su llegada marcaría el inicio de una transformación tan
profunda y dolorosa. Yo llegué incluso a plantear
el posible fin de Xbox con ella. Pero la ejecutiva, sin trayectoria previa en la industria del videojuego,
ha impulsado desde el primer día una visión radical que busca enderezar un
negocio que, según sus propias palabras, se había extendido demasiado y había
perdido el foco en lo esencial.
El resultado es una serie de movimientos que están redefiniendo por completo
la estructura de los estudios internos y el destino de varias de las
franquicias más queridas por los jugadores.
La reestructuración que no da tregua
En julio de 2026 Sharma anunció lo que describió como
la reestructuración más significativa en la historia de Xbox, con unos
3.200 despidos
repartidos a lo largo del año fiscal y la salida de varios estudios del
paraguas de Microsoft. Compulsion Games y Double Fine recuperaron su
independencia, mientras que Ninja Theory y Undead Labs buscaron nuevos dueños.
Meses después, el comunicado de Matt Booty confirma que el proceso
sigue su curso: 268 personas más dejan la compañía, entre ellas trabajadores
de Halo Studios y de las estructuras centrales. Al mismo tiempo, Activision
asume el control de Age of Empires a través de World’s Edge, de
Sea of Thieves vía Rare y, lo más sorprendente, del desarrollo del
próximo gran título de Halo, que quedará en manos de un equipo nuevo
creado específicamente para la ocasión.
Estos cambios no son casuales. Sharma ha insistido en que
Xbox se dispersó en demasiadas apuestasy dejó de concentrar recursos en las franquicias capaces de generar
valor
real a largo plazo. La fusión de Playground y Turn 10 alrededor de
Forza y Fable, la integración de Obsidian bajo Bethesda y la
unificación de las áreas casuales bajo King responden a esa misma lógica de
simplificar estructuras y alinear equipos que ya trabajaban de cerca.
El riesgo de perder el alma de las sagas
La decisión de entregar Halo a Activision genera, como era de esperar,
sensaciones encontradas. Rob Kostich, presidente de la compañía, habla de
honor y responsabilidad, y promete el mejor juego de la saga de la historia.
Sin embargo, muchos jugadores recuerdan que el universo de Master Chief nació
y creció dentro de una cultura creativa muy concreta, y temen que el traspaso
diluya esa identidad.
Algo similar ocurre con Ninja Theory, cuyo posible cierre dejaría en el aire
el futuro de Senua después de que dos intentos de venta fracasaran. El estudio
que nos dio
Hellblade, una de las experiencias más intensas y personales de los últimos años, se
enfrenta ahora a un horizonte incierto mientras Microsoft sigue explorando
opciones.
Una estrategia de concentración que puede funcionar… o no
Sharma ha reducido capas de gestión, ha nombrado a Helen Chiang como primera
directora de operaciones con responsabilidad plena de resultados y ha dejado
claro que el objetivo es volver a crecer antes de que termine el año fiscal
2027. Su enfoque es pragmático y directo: menos estudios, menos capas
burocráticas y más atención a las IPs que realmente importan. La independencia
de Undead Labs, que ahora es propiedad de sus empleados y sigue adelante con
State of Decay 3, muestra que no todo se reduce a recortes. Algunos equipos
encuentran caminos propios mientras la compañía se concentra en lo que
considera prioritario.
Aun así, el riesgo es evidente. Concentrar el poder creativo en menos manos
puede producir títulos más potentes y mejor financiados, pero también puede
asfixiar la diversidad que durante años diferenció a Xbox de sus competidores.
La pregunta que queda abierta
es si esta cura de austeridad logrará recuperar la salud financiera sin
vaciar de personalidad a las sagas que sostienen la marca.
Lo que Sharma está haciendo no es un ajuste cosmético. Es un intento
deliberado de salvar un negocio que, según sus propios números,
llevaba años gastando más de lo que generaba. El tiempo dirá si la dureza de sus decisiones termina siendo el precio
necesario para que Xbox vuelva a ser relevante, o si el coste en talento y en
identidad creativa resulta demasiado alto.
Super Mario Sunshine es la primera entrega de Mario en la consola GameCube
de Nintendo y en este análisis te digo por qué es no es tan bueno como
dicen.
Todavía recuerdo como si fuera hoy el hype que había producido el anuncio de
Super Mario Sunshine poco antes de su lanzamiento en 2002. La
anticipación era alta porque se trataba, en cierta medida, de una secuela de
Super Mario 64
que estaba en desarrollo durante varios años a partir de las ideas
previamente implementadas en los cancelados
Super Mario 64 II
y
Super Mario 128. En aquel entonces estaba siendo desarrollado por
Nintendo EAD, y supuso el primer rol de director principal para el diseñador
Yoshiaki Koizumi
junto a Kenta Usui después de un aprendizaje de diez años trabajando
en varios otros juegos, dejando como productores a
Shigeru Miyamoto
y Takashi Tezuka. Antes de mostrarlo en el
Space World 2001, Koizumi explicó en una entrevista que concibió la idea de una mecánica de
juego que involucrara una bomba de agua para Mario, mientras que Miyamoto
buscaba que atraer a un "rango de edades muy amplio". Esto se debió, en
parte, a que fue desarrollado de una manera apresurada que hizo pensar a
Miyamoto en que era "demasiado para una edad infantil". Tardó 18 meses en
completarse.
Esta anécdota sobre sus orígenes me da vueltas sobre la cabeza cuando paso
cerca de 15 horas para terminarlo al 100%, luego de pasar cerca de dos
décadas tratando de jugarlo por primera vez en mi Nintendo GameCube.
Miyamoto tenía razón cuando dijo que lamentaba que "resultara ser difícil
para el usuario promedio". Pero el problema no es que sea difícil, es que
simplemente es
un juego de plataformas que se vuelve aburrido por los controles
erráticos y la jugabilidad tediosa
que estropea el factor de diversión encontrado en otros juegos de Super
Mario con la incorporación del aparato FLUDD, así como el torpe y rutinario
diseño de niveles que no para de reiterar la misma circularidad de
plataformas a lo largo de todos los episodios. Todo esto, junto a la cámara
incómoda, pone en duda la presunta aclamación que recibió de la prensa
durante su salida.
La trama del juego sigue a Mario cuando visita la isla tropical
Delfino para pasar unas vacaciones con la princesa Peach, su
mayordomo Toadsworth y otros Toads, poco antes de descubrir a una Planta
Piraña contaminada de una sustancia viscosa parecida a la pintura que debe
higienizar de la pista de aterrizaje con un aparato llamado
Dispositivo Ultradescargador de Liquidación Flash (FLUDD), que le
permite bombear y lanzar agua a presión como si fuera un cañón. El
responsable es Shadow Mario, un sombrío doble azul Mario que crea graffiti
usando un pincel especial y pinta toda la ciudad Delfino. Mario entonces es
incriminado y declarado culpable injustamente por vandalizar la isla con
grafitis, pero es puesto en libertad condicional bajo la orden de hacer el
servicio comunitario de borrar toda la oscuridad de Delfino, hallar a Shadow
Mario y a la vez buscar los brillantes Soles que se hallan esparcidos en
varios lugares.
Esta trama, a menudo, se esquematiza sobre los facilismos narrativos que
siempre se ven en los tropos del mundo de Super Mario, donde el fontanero de
la gorra roja debe salvar a la princesa rubia raptada por Bowser y sus
secuaces mientras reúne las estrellas. La diferencia es que ahora el
conflicto se desplaza a una isla paradisíaca compuesta de playa, sol y
arena. Presenta a Mario persiguiendo a Shadow Mario por Monte Bianco, Puerto
Espresso, Playa Gelato, Parque Mamma Mia, Playa Paradiso, Cala del Sole y
Aldea Foresta. Pero también los encontronazos que Mario tiene al conocer los
planes de Bowser Jr., el hijo de Bowser, luego de secuestrar a
Peach para llevarla a Montaña de Fuoco. El personaje, como es de esperar,
emplea su valentía para saltar y rescatar a la princesa en peligro antes de
ser exonerado para seguir disfrutando de sus vacaciones.
En términos generales, la jugabilidad de Super Mario Sunshine comparte
muchos elementos del predecesor para controlar a mario como son correr,
saltar, agacharse, deslizarse, nadar y zambullirse, aunque este ya no puede
golpear objetos con patadas y puñetazos. Pero a la vez introduce varias
características nuevas. La primera es la del FLUDD. El FLUDD es una mochila
robótica que absorbe el agua para quitar lodo y ayuda a Mario a llegar a
nuevos lugares gracias a las dos boquillas predeterminadas que trae:
Chorreador y Planeador. Chorreador le permite a Mario rociar el agua para
limpiar pintura, atacar a enemigos y activar ciertos mecanismos. Planeador
en cambio concede a Mario la habilidad de flotar en el aire por un corto
periodo de tiempo, ideal para cruzar grandes distancias mientras rocía justo
lo que está debajo de él. Además de estas hay dos boquillas adicionales que
se desbloquean: Turborreactor y Propulsor. El Turborreactor mueve a Mario a
alta velocidad atravesar puertas cerradas y deslizarse rápidamente sobre el
agua. Y el Propulsor dispara a Mario como cohete hacia lugares muy altos o
inalcanzables. Cada tipo de FLUDD usa agua de sus reservas, que se pueden
rellenar a través de fuentes de agua como ríos, arroyos o fuentes.
Adicionalmente, Mario puede conseguir un huevo que eclosiona y da lugar a un
Yoshi
tras recibir un tipo específico de fruta, aunque solo puede ser desbloqueado
después del cuarto nivel. Al montar a Yoshi se puede saltar alto, tragar a
los enemigos con la lengua y escupir jugo para eliminar los objetos que el
agua no puede. Cuando Yoshi come frutas cambia de color y, dependiendo el
tipo de fruta, adquiere habilidades particulares. Lo peor es que este
desaparece si se le acaba el jugo o cae al agua, aunque se puede reponer
comiendo otra fruta.
El objetivo fundamental del juego es utilizar el FLUDD y todas las mecánicas
disponibles para avanzar con Mario por los ocho niveles de plataforma,
superando obstáculos y completando cada episodio al obtener las estrellas
llamadas Soles que devuelven la luz la
Isla Delfino. En total hay 120 Soles a lo largo del juego. Estos Soles se
obtienen seleccionando objetivos específicos, accediendo niveles secretos,
obteniendo 8 monedas rojas o recolectando 100 monedas en cada
nivel. También hay varias zonas ocultas y desafíos en la Isla Delfino donde
se pueden ganar más Soles. Existen, de igual modo, Monedas Azules que
otorgan un Sol al recolectar ciertas cantidades. Hay
240 Monedas Azules repartidas por los ocho niveles y Ciudad Delfino,
las cuales luego pueden ser canjeadas por Soles en la tienda del mapache.
Algunos Soles y Monedas Azules se consiguen solo al desbloquear a Yoshi.
La idea de completar los niveles dependiendo del FLUDD, en un principio, me
resulta novedosa sobre el papel porque abre para Mario posibilidades de
movimiento vertical y de limpieza de manchas, pero en la práctica el control
se vuelve resbaladizo porque, en efecto, Mario no responde con la precisión
que uno espera en la serie, pues a menudo parece resbalar un poco más de lo
deseado, el impulso del hover se corta de forma abrupta o la dirección del
chorro requiere ajustes del stick que terminan descolocando la trayectoria
de la manguera. Cuando se combina con plataformas estrechas o pendientes
pronunciadas, esa sensación de que el fontanero nunca aterriza exactamente
donde se pretendía se multiplica. Hay tramos en los que se necesita un salto
medido al milímetro y el personaje, en lugar de obedecer, se desvía apenas
lo suficiente para caer al vacío o chocar contra un borde invisible. Los
controles se sienten fluidos, pero son demasiado esquemáticos por la
dependencia del FLUDD.
De igual modo, la jugabilidad se torna inútilmente repetitiva porque,
por añadidura, todos los episodios de cada nivel tienen un orden
estrictamente lineal para la obtención de los Soles. En casi cada zona
aparece la persecución de Mario Oscuro, las ocho monedas rojas o el lavado
de goop. Las monedas azules, necesarias para comprar varios soles, se
esconden de forma tan arbitraria y sin ningún indicador de progreso en el
menú que la búsqueda se transforma en un ejercicio de memoria o de consulta
externa antes de la exploración. Terminar un episodio y salir del nivel para
volver a entrar cada vez que hay que buscar un sol particular interrumpe el
equilibrio de sorpresa y recuerda que la estructura heredada de
Super Mario 64
no se adaptó del todo bien al nuevo enfoque. Después de unas cuantas horas,
las misiones empiezan a sentirse como una lista de tareas rutinarias que
aniquila el núcleo de divertimento.
Lo peor de todo es que casi todos los niveles tienen episodios en los que,
con o sin FLUDD, se exige una precisión milimétrica sin margen de error que
casi me hace perder la paciencia. El infame episodio del pachinko, por
ejemplo, esconde monedas rojas en posiciones que dependen de corrientes de
aire caprichosas y de una gravedad que penaliza cualquier descuido. El
recorrido en hoja de nenúfar me lleva a marchar por un río mientras se
recolectan monedas rojas, empujando la plataforma con el chorro de agua;
cualquier error mínimo envía a Mario al agua y me obliga a reiniciar el
tramo completo. Los cursos secretos en los que se retira FLUDD pretenden
recuperar la plataforma a lo retro, pero las plataformas móviles y los
saltos precisos se combinan con una cámara rebelde y una física que castiga
demasiado, hasta llevarme a pensar en tirar el control por la ventana
después de repetir tanto el mismo sitio. Estos detalles desbalanceados se
acumulan a lo largo de la aventura de niveles acuáticos y van erosionando la
confianza en el control.
Técnicamente, el componente audiovisual de
Super Mario Sunshine ofrece momentos agradables que demuestran, al
menos, el compromiso de los desarrolladores para aprovechar al máximo el
hardware de la consola. Los gráficos, construidos sobre el motor 3D
propietario que Nintendo estrenó en GameCube, logran renderizar con cierto
balance las texturas caricaturescas de los personajes, además de prestar
atención al aspecto tropical y colorido de Isla Delfino con efectos de agua
bastante llamativos, aunque algunas texturas de zonas secundarias se notan
comprimidas y la tasa de fotogramas no siempre se mantiene estable. También
surgen problemas de cámara en espacios abiertos,.estructuras cercanas, o
interiores estrechos, donde la lente se queda atrapada detrás de paredes
para ocultar a Mario, se acerca demasiado o gira en el momento menos
oportuno por la perspectiva errática. Por otro lado, el apartado sonoro se
beneficia de una música de
Koji Kondo
y Shinobu Tanaka, que aporta melodías tropicales y alegres que me recuerdan
a las islas soleadas, con arreglos de temas clásicos de Mario, mientras las
voces completas en las cinemáticas (Charles Martinet
como Mario, junto a elenco para Peach, Bowser y los habitantes) dan un toque
distintivo, aunque el tono robótico de FLUDD y ciertos diálogos resultan
algo forzados con el paso de las horas.
En conjunto, estas propiedades le añaden un escenario atractivo a la
superficie del juego, pero, por desgracia, no alcanzan a compensar la falta
general de pulida que hay detrás de la jugabilidad, como si Nintendo no se
hubiera puesto de acuerdo antes de lanzarlo al mercado en semejante estado.
Un Mario 3D debería invitar a experimentar y a dominar el movimiento;
aquí en cambio demasiadas veces se siente que el juego pelea contra
uno
por los controles imprecisos, la cámara problemática y los niveles que
priorizan la dificultad innecesaria sobre el disfrute fluido. Encima de
esto, la duración se alarga de forma artificial con coleccionables tediosos
y reinicios constantes. Al llegar al final me da solo la impresión de haber
terminado una vacación de verano que empezó bien y terminó llena de
contratiempos evitables.
Bruce Straley, director de The Last of Us, explica por qué las experiencias
de los juegos AAA se han vuelto genéricas y aburridas.
Bruce Straley, el hombre que codirigió
The Last of Us
y
Uncharted 2, acaba de decir en voz alta lo que muchos jugadores murmuran desde hace
años: "Creo que las experiencias que ofrecemos en el ámbito de los juegos AAA
son… me atrevería a decir que son aburridas". Su declaración, recogida por la
revista EDGE, no suena a resentimiento de alguien que abandonó el barco.
Suena a alguien que conoció el oficio desde dentro, que construyó algunos de
los títulos más influyentes de la última década y que, en algún momento, dejó
de reconocerse en el producto final.
La industria que ya no se atreve
Después de casi veinte años en Naughty Dog, Straley reconoce que hoy
bastaría con pronunciar la frase “voy a hacer el próximo The Last of Us” para
que los inversores abrieran la cartera sin pensarlo dos veces. El problema,
según él, es precisamente ese. Las compañías buscan la seguridad de lo ya
probado y, en ese movimiento, cierran la puerta a cualquier idea que no
garantice el retorno. “Parece que no hay oportunidades de inyectar ideas
frescas e innovadoras en la industria AAA”, afirma con la calma de quien ya no
necesita demostrar nada.
Esa falta de aire se nota en la forma en que se construyen las experiencias.
Los verbos que el jugador realiza —disparar, trepar, craftear, seguir el
marcador— se repiten con variaciones mínimas de un título a otro.
El resultado es una sensación de familiaridad que, con el tiempo, termina
pareciendo repetición.
Cuando cada píxel impresiona y la acción no
Straley pone el dedo en la llaga con un ejemplo concreto. Habla de
God of War Laufey y admite que el nivel técnico lo deja sin palabras:
“cada píxel te vuela la cabeza. La cantidad de trabajo y habilidad que hay en
cada frame… He hecho ese tipo de juegos y aun así estoy impresionado”. Luego
viene el giro. “¿Pero qué pasa cuando me fijo en lo que realmente estoy
haciendo en el juego? No me emociona”. Aclara de inmediato que no se trata de
una crítica al equipo de Santa Monica. Es un síntoma que atraviesa toda
la industria de grandes presupuestos.
La paradoja es evidente. Nunca se había invertido tanto esfuerzo en hacer que
cada imagen sea deslumbrante, y nunca las acciones del jugador habían
resultado tan previsibles. El espectáculo visual crece mientras la sensación
de descubrimiento se reduce. El jugador avanza por escenarios de una belleza
casi cinematográfica, pero las mecánicas que lo mueven parecen calcadas de
producciones anteriores.
El camino que eligió después
En 2017 Straley decidió marcharse. No lo hizo porque odiara los videojuegos.
Lo hizo porque necesitaba volver a sentir que estaba creando algo. Hoy dirige
Wildflower Interactive, un estudio pequeño centrado en proyectos de
escala humana y de carga creativa alta. Su próximo título,
Coven of the Chicken Foot, sigue a una anciana bruja de movilidad
limitada que se vincula a una criatura extraña para cumplir un juramento. Nada
más lejos de los héroes de acción cinematográficos que él mismo ayudó a
definir.
Esa decisión personal funciona como un comentario sobre el estado actual del
sector. Mientras las grandes compañías perfeccionan la fórmula que ya
funciona, algunos de los nombres que la construyeron buscan refugio en
espacios donde todavía es posible equivocarse y sorprender.
Una conversación que no puede cerrarse
Las palabras de Straley llegan en un momento en que los premios más
importantes del año suelen recaer en títulos que, de un modo u otro, se
apartan de las fórmulas habituales. El mensaje es claro: el público sigue
respondiendo cuando alguien se atreve a ofrecer algo distinto. El riesgo no es solo creativo. Es también comercial. Porque si las
experiencias AAA continúan sintiéndose genéricas, el aburrimiento dejará de
ser una opinión de un director veterano y se convertirá en el veredicto
silencioso de quienes dejan de comprar.
¿Buscas la guía walkthrough de Super Mario Sunshine? Este título da inicio a
la aventura de Mario en la consola GameCube de Nintendo. Descúbrela
ahora.
Super Mario Sunshine es el primer juego del popular fontanero de
Nintendo en la GameCube. En esta guía que he preparado encontrarás las
soluciones paso a paso para avanzar sin frustraciones para obtener los 120
Soles y las 240 monedas azules en Ciudad Delfino.
Este longplay no tiene comentarios presenta la campaña completa al
100 %, con todos los niveles y el gameplay traducido al español con
subtítulos. Disfruta de las niveles en su jugabilidad original. Ideal para
nostálgicos y jugadores que solo buscan un walkthrough limpio de Super Mario
Sunshine.
Descubre por qué recordamos los controles de los videojuegos aunque pasen
los años. Esto es lo que se sabe.
Hay algo profundamente misterioso en coger un mando después de mucho tiempo y
sentir que los dedos ya saben exactamente qué hacer. No se trata de un
recuerdo consciente ni de una lista mental de botones. Es algo más íntimo,
casi corporal.
Cuando retomé Super Mario 64 después de años sin
tocarlo, mis pulgares recordaron al instante el ritmo exacto de los saltos
triples y la forma de girar la cámara con el stick analógico, como si aquella
consola de 1996 hubiera dejado una huella indeleble en mis manos.
La memoria que no necesita palabras
El cerebro guarda de forma especial todo aquello que se repite hasta
convertirse en automatismo. Conducir un coche, atarse los cordones o escribir
en un teclado son ejemplos cotidianos de esta capacidad. En los videojuegos
ocurre lo mismo, pero con una intensidad particular. Cada vez que ejecutamos
un combo en Street Fighter II o afinamos el control de Mario para
alcanzar una estrella escondida, estamos grabando un procedimiento que no pasa
por el lenguaje ni por la reflexión deliberada.
Se trata de la memoria procedimental, esa que permite actuar sin pensar
y que se resiste con fuerza al olvido.
La repetición constante es el elemento clave. En Street Fighter II no
bastaba con saber qué botones apretar: había que interiorizar el timing exacto
de los hadoukens y los shoryukens hasta que los dedos se movían solos bajo la
presión del rival. En Super Mario 64 el stick analógico se convirtió en
una extensión del cuerpo, permitiendo movimientos fluidos que, una vez
dominados, ya no exigían atención consciente.
Cuantas más horas se dedican a estas secuencias, más profundas se vuelven
las conexiones neuronales
que las sostienen.
Emoción y atención: el cóctel que fija el recuerdo
No es solo la repetición lo que hace tan persistente esta memoria. Los
videojuegos de aquella época demandaban una atención sostenida y
generaban emociones intensas: la frustración de caer al vacío por un mal
cálculo, la euforia de derrotar a un jefe después de decenas de intentos, la
sensación de dominio cuando por fin se dominaba un movimiento complejo. Esas
emociones actúan como un refuerzo poderoso. El cerebro prioriza aquello que
viene acompañado de impacto emocional, especialmente cuando se vive en la
juventud, etapa en la que la plasticidad cerebral es mayor y las experiencias
se graban con más fuerza.
Por eso, al volver a Super Mario 64 o a un arcade de
Street Fighter II, no solo recordamos los controles: recordamos también
la versión de nosotros mismos que los aprendió. El cuerpo reconoce el peso del
mando, la resistencia de los botones y el ritmo de las acciones como si el
tiempo no hubiera pasado. Esa familiaridad inmediata es la prueba de que la
memoria procedimental no se borra con facilidad.
Una huella que trasciende el juego
Esta capacidad de recordar los controles va más allá de la simple habilidad
técnica. Se convierte en un puente emocional hacia momentos de la vida en los
que el mundo se reducía a una pantalla y un mando. Aunque los gráficos hayan
cambiado y las consolas hayan evolucionado, los esquemas de control de
aquellos títulos clásicos siguen activando los mismos circuitos.
Por eso, décadas después, los dedos todavía saben exactamente dónde están los
botones y cómo usarlos. No es magia:
es la forma en que el cerebro convierte horas de juego en una memoria
que se niega a desaparecer.
PlayStation cancela Physint, el sucesor espiritual de Metal Gear de Hideo
Kojima. Xbox acude al rescate y salva el proyecto. Descubre cómo pasó.
La noticia cayó como un jarro de agua fría en plena semana de anuncios.
PlayStation Studios
decidió dar un paso atrás y cancelar su colaboración en
Physint, el ambicioso título de acción y espionaje que
Hideo Kojima
venía cocinando como una nueva propiedad intelectual capaz de recuperar la
esencia de
Metal Gear Solid, y
Xbox
apareció de inmediato para rescatar el proyecto.
A simple vista esto parecía un divorcio discreto, pero se convirtió en un giro
narrativo digno del propio Kojima: el creador reveló que a mediados de junio
recibió la notificación inesperada de que
Sony
cancelaba el desarrollo, y desde entonces buscó sin descanso un nuevo socio
hasta dar con
Microsoft.
Un proyecto que siempre olía a Metal Gear
Physint se anunció en 2024 como un juego de nueva generación de
acción-espionaje, una IP original de
Kojima Productions
que muchos interpretaron desde el primer día como el regreso espiritual a las
mecánicas de infiltración, narrativa densa y personajes carismáticos que
definieron una era. Actores como
Charlee Fraser,
Don Lee
y
Minami Hamabe
ya estaban vinculados al reparto, y el estudio trabajaba en paralelo con Xbox
en el experimental OD. La asociación con
PlayStation
parecía natural después de
Death Stranding
y
Death Stranding 2, pero la realidad de la industria es menos romántica de lo que las
declaraciones oficiales suelen pintar.
Sony publicó un comunicado elegante: después de una cuidadosa consideración
habían decidido alejarse de la colaboración, mantenían una gran admiración por
la visión de Kojima y afirmaban que la relación seguía fuerte tras tres
décadas. Kojima, en cambio, fue más directo. Explicó que el aviso de
cancelación llegó de forma inesperada y que el proyecto era demasiado
importante para él y para su estudio como para dejarlo morir. Tres meses de
negociaciones, consultas y búsquedas
terminaron con un nuevo acuerdo con Xbox, plataforma con la que ya compartía una visión de futuro.
El rescate que cambia el tablero
Microsoft no tardó en celebrarlo.
Asha Sharma, al frente de Xbox, subrayó el momento como grande para la marca y confirmó
que la relación con Kojima se expande más allá de los videojuegos, abriendo la
puerta a posibles colaboraciones en cine y televisión. El mensaje es claro:
mientras PlayStation decide recortar o reorientar prioridades, Xbox se
posiciona como el hogar de creadores con libertad creativa y presupuestos
ambiciosos. Physint sigue en desarrollo, el equipo no se ha detenido y
el género de acción-espionaje de nueva generación tiene ahora un editor
diferente.
Este episodio revela tensiones más profundas. Cancelar un proyecto de este
calibre a mitad de camino no es una decisión ligera; implica costes,
expectativas rotas y una señal sobre la estrategia de exclusivas y riesgo
creativo. Kojima ha demostrado una vez más su capacidad para navegar entre
gigantes, recordando que su talento sigue siendo un activo codiciado. Para los
jugadores, el cambio de bando significa que el título podría llegar a más
plataformas o, al menos, nacer con el respaldo de una compañía dispuesta a
apostar fuerte.
Lo que queda por ver
Todavía no sabemos los motivos exactos detrás de la decisión de Sony, y es
probable que nunca se detallen del todo. Lo que sí queda claro es que
Physint ha sobrevivido gracias a la determinación de su creador y a la
oportunidad que Xbox ha sabido aprovechar. En un mercado donde las grandes
productoras ajustan presupuestos y priorizan lo seguro, el rescate de un juego
con ADN tan marcado como el de Metal Gear es una victoria para quienes
todavía creen que la industria necesita visiones arriesgadas.
El futuro de Physint ahora se escribe con el logo de Xbox. Kojima sigue
adelante, el estudio mantiene el rumbo y los fans de la infiltración táctica
pueden respirar un poco más tranquilos. A veces los giros más inesperados
terminan salvando las historias que más merecen ser contadas.
